La Galería En Línea

ARTISTAS:

Gustavo Quiroz

El Latido del Mar es una colección contemporánea que reinterpreta el Gyotaku, una técnica japonesa ancestral. Nacido como registro de capturas marinas, el Gyotaku se transforma aquí en un lenguaje poético que conecta lo humano con el océano. Cada obra es memoria donde la tinta y el agua se entrelazan para expresar lo invisible, lo profundo y lo intangible. Este proyecto es un viaje sensorial por los misterios del mar y los manglares, donde el arte se convierte en testimonio del latido del planeta.

Juan Gabriel Peón

Juan Gabriel Peón, Mérida Yucatán 1966. Artista y diseñador autodidacta, tuvo su primera exposición individual en 1988, ganó la 2da y 3ra edición de la Bienal de Yucatán en Dibujo, su obra se caracteriza por ser muy gráfica. Como diseñador se ha desarrollado en el mundo de la madera.
Los dibujos de J. Gabriel son de carácter gestual donde la línea siempre es la protagonista, no son la excepción esta serie de animalitos tema recurrente en sus tintas.

Victor Umea

Víctor Umea nace en 1992 en Valencia, España. Su trabajo se centra en el dibujo y la expresión escrita como disciplinas complementarias o autónomas. Su producción artística plantea una reflexión sobre el individuo, su mundo ulterior y su vínculo con la experiencia sensible representando su visión del mundo cambiante y del individuo contemporáneo.

Rafael Ontiveros

En un mundo híbrido donde se cohesionan las formas de personajes citadinos y salvajes, lucen estos diálogos armonizados que nacen entre colores y sombras orgánicas. Un desenvolvimiento neo poético de trazos grafiteros. Las obras realizadas en técnicas mixtas sobre papel fabriano, absorben esta fauna densa que refleja lo que ya somos, un ecosistema potente y vibrante.

Marcelo Troche

Marcelo Troche nació en Montevideo, Uruguay, en 1971.

Antes de que su familia se estableciera en Montreal, Canadá, vivió en Madrid y

Grenoble. Actualmente divide su tiempo entre Montreal y Mérida, Yucatán, México.

Estudió fotografía en Montreal a nivel colegial y luego continuó sus investigaciones en fotografía alternativa de manera autodidacta.

Se dedica al colodión húmedo, el cianotipia, el clorotipia, el fotograbado sobre polímero y el trabajo en el tradicional cuarto oscuro, volviendo a sus raíces y explorando nuevas formas de expresión fotográfica.Su carrera artística comenzó en 2019, después de 25 años de trabajo en los ámbitos comercial y editorial. Ahora se dedica a proyectos futuros y dirige talleres sobre procesos fotográficos antiguos.

Su última se tituló -A Flor De PIEL- y fue impresa en fotograbado. Esta muestra refleja la fragilidad que experimentamos durante la pandemia de COVID-19 y se presentó en la galería A Piroir en Montreal

INSECTYPOS

La serie INSECTYPOS está compuesta por placas únicas de colodión húmedo y series limitadas de imágenes impresas, numeradas del 1 al 5, que ofrecen diversas opciones de formato. Algunas de estas imágenes están coloreadas, aportando un efecto visual más vibrante, mientras que otras mantienen la estética clásica de las placas originales en blanco y negro, preservando su esencia y autenticidad.

La serie INSECTYPOS ha sido reconocida a nivel internacional, destacándose por su enfoque en la vida de los insectos desde una perspectiva única y creativa. Ha sido publicada y difundida tanto en plataformas digitales como en revistas impresas, lo que le ha permitido llegar a una audiencia diversa y amplia. Esta combinación de formatos ha contribuido a su éxito y reconocimiento global.

José Antonio Platas

Burro

Vidal Bedoya

Vidal Bedoya (1964)

Artista formado en la universidad de Bellas artes de Lima-Perú 1986-91

Con multiples exposiciones que forman su carrera internacional que lo llevaron a exponer en ciudades como Lima, Whasington D.C., Roma, Capri, Nurembreg, Studgar, Bruselas, Rabat, Quebec, Madrid, Barcelona Ciudad de Panama y recientemente Ciudad de México.

Su obra trancita entre la abstracción-simbolica.

Utilizando elementos de su cultura ancestral como una reminiscencia llevada a una visión actual y contemporanea.

"Buscadores del Cantaro perdido"

Es una serie de obras en Acua-tinta

Que intentan explicar, de manera simbolica, como siempre buscamos fuera, en otro lugar algo (posiblemente la felicidad) que siempre tenemos muy cerca y no lo vemos.

"Rostros del Camino"

Serie de rostros estilizados

Fernando Aceves Humana

Stefanie Schikora

Stefanie Schikora nace el 8 de mayo de 1966 en Mannheim, Alemania.

Realiza el bachillerato especializado en Arte y Diseño en 1986 y al finalizarlo estudia la carrera

de Diseño Gráfico (Licenciatura) y Diseño de Moda en Alemania. Por su interés y inclinación hacia

el arte, dio énfasis a las asignaturas de Dibujo, Pintura e Ilustración. Desde 1994 radica en México,

trabajando libremente como artista y en la enseñanza. A partir de entonces ha realizado más de 90

exposiciones individuales y colectivas en Alemania, México, Belice y Estados Unidos.

Obra

Stefanie realiza su trabajo principalmente en acrílico sobre tela o sobre papel, así como

técnicas mixtas, collage y dibujo. Los temas abarcan desde el cuerpo humano, seres inventados,

así como la flora y fauna llevada a una expresión fantástica.

“En la búsqueda de una expresión virgen, fresca y espontánea, dejo a un lado la realidad,

mezclo técnicas, lo abstracto con lo figurativo y doy énfasis a la sensación que producen los colores.”

Un cuadro debe de ser como una compañía agradable, que aporta algo valioso en la vida,

algo que toca el interior.

Pim Schalwijk

Postales de Yucatán

Pim Schalwijk

El lente de Pim Schalwijk captura Yucatán como un territorio de contrastes, donde el pasado y el presente se entrelazan en una narrativa visual que oscila entre la contemplación y la cotidianidad. En Postales de Yucatán, el fotógrafo nos invita a recorrer paisajes detenidos en el tiempo, retratos impregnados de historia y escenas que evocan la esencia misma de la península: su luz inconfundible, su arquitectura mestiza, la profundidad de sus tradiciones y la vitalidad de su gente.

Cada imagen es una postal, un testimonio de instantes que, sin pretensión de monumentalidad, revelan la identidad de un espacio que se resiste al olvido. Como aquellas postales de antaño que cruzaban océanos y carreteras para llevar un fragmento de un lugar lejano, estas fotografías nos trasladan a un Yucatán íntimo y vibrante, donde cada detalle es una huella de algo que aún perdura. Desde la penumbra de un mercado al amanecer hasta el bullicio de una fiesta en un pueblo maya, Schalwijk construye un archivo sensible de la vida en Yucatán, donde la memoria y la imagen se funden en un mismo gesto.

A través de su mirada, lo cotidiano adquiere una dimensión poética, permitiéndonos redescubrir lo que creíamos familiar. Postales de Yucatán es una invitación a detenernos, a mirar con detenimiento y a entender que cada fotografía es un eco de aquello que persiste en la memoria del paisaje y sus habitantes.

Ana Méndez Petterson

U'ulab

Pim Schalkwijk

El mercado Lucas de Gálvez, corazón palpitante de Mérida, es más que un centro de comercio; es un microcosmos donde convergen historias, tradiciones y rostros que dan vida a la identidad yucateca. En su proyecto U'ulab —término maya que significa "visitante"—, el fotógrafo Pim Schalkwijk se adentró en este vibrante espacio para capturar la esencia de sus habitantes.

Durante cinco meses, Schalkwijk instaló un estudio fotográfico improvisado dentro del mercado, invitando a vendedores y clientes a posar frente a su lente. Este acercamiento permitió retratar a carniceros, floristas, peluqueros y otros comerciantes en su entorno cotidiano, resaltando la diversidad y riqueza humana del lugar.

Cada imagen es un testimonio de vida, una ventana a las historias personales que conforman el tejido social del mercado. Los retratos, despojados del bullicio y la mercancía circundante, enfocan nuestra atención en las expresiones y miradas de los protagonistas, revelando su orgullo, resiliencia y conexión con su oficio.

U'ulab nos invita a reflexionar sobre la importancia de estos espacios como guardianes de la cultura y las tradiciones locales. A través de la mirada respetuosa y cercana de Pim, somos "visitantes" que descubren la belleza en lo cotidiano y reconocen el valor de quienes mantienen viva la esencia del Mercado Lucas de Gálvez.

Ana Méndez Petterson

Pim Schalkwijk

Nació en 1971 en Ciudad de México, Distrito Federal, México

Hijo del fotógrafo holandés Bob Schalkwijk, inició bajo su tutoría, su propia carrera en 1995, utilizando el formato grande, medio y la película de 35mm. Su archivo, de más de 120,000 fotografías, abarca diversos temas de la cultura mexicana. Destacan sus retratos, sus tomas de arquitectura virreinal y contemporánea, de arqueología, de fiestas tradicionales y populares, así como el paisaje y todo lo relacionado con la naturaleza, desde el ecoturismo y el deporte extremo, hasta la ganadería y la agricultura. Actualmente trabaja en formatos digitales y realiza tomas de 360º con las que realiza interactivos. Su depurada técnica le ha posibilitado realizar la foto-reproducción de obras de artistas de talla internacional como Diego Rivera, Feliciano Béjar, Helen Escobedo, Jimmy Giebeler, Pedro Friedeberg, Roberto Humphrey y Luis López Loza. En su trayectoria profesional ha colaborado con fotógrafos como Bob Schalkwijk, Jonathan Blair de National Geographic, Michel Adams del periódico inglés The Sun, Gilles de Chabaneix de la revista Marie Claire Maison y para la agencia Black Star en Nueva York. Entre las revistas en las cuales ha publicado se encuentran Traveler de National Geographic, Revista Ambientes, la sección “De Viaje” del periódico Reforma, México Desconocido, Pronatura, Terraventura, Bonvivant, Men’s Health, Master Magazine, Arqueología Mexicana, Enlace y Claridades Agropecuarias. Asimismo, con su trabajo ha ilustrado diferentes libros: Voces centenarias. Memorias de Yucatán (1910-2010) para la Secretaría de Educación Pública del Gobierno del Estado de Yucatán; La Fiesta Grande Chiapa de Corzo y Amanecer, ambos para el Gobierno del Estado de Chiapas; Catálogo de la exposición “Devenires. Mérida en sus tiempos, en sus espacios” para la dirección de Cultura del Ayuntamiento de Mérida; Artesanías de Yucatán para Fomento Cultural Banamex; Cinco Siglos de plástica en Chiapas y Las Culturas de Chiapas en el periodo Prehispánico, Arte Virreinal y del Siglo XIX para CONECULTA; Barrancas del Cobre para Editorial Jilguero; Cinco meses y ochenta personas, mobiliario para el Centro Cultural Español en México; Paraíso Mexicano de Clarkson Potter; Ad maiorem dei gloriam, La compañía de Jesús promotora del arte para la Universidad Iberoamericana. Ha participado en las siguientes exposiciones colectivas: Verde que te quiero verde/Mérida: cartografiando sus devenires III Para que mejor se pueda ver lo que es. Mérida: cartografiando sus devenires II (2010) y Devenires en sus tiempos, en sus espacios (2009), las tres en el Museo de la Ciudad de Mérida; Espacio y Tiempo (2009) en la Galería del Museo de la Ciudad de Mérida; Guadalupe en la Cultura Popular (1998) en la Galería Abierta de las Rejas de Chapultepec; Fotografías de Naturaleza de la Sierra Gorda de Querétaro (1997) en el Museo de la Ciudad de Querétaro; Cada quién su rollo (1996) dentro del festival Fotoseptiembre y en conjunto con el fotógrafo Bob Schalkwijk. Sus exposiciones individuales han sido: Una mirada de cerca (1996) en el restaurante Café au Lait en la Condesa y La danza del tigre (1997) en la Escuela Nacional de Danza Folklórica-INBA. En el marco de la publicación del libro Voces centenarias. Memorias de Yucatán (1910-2010), presentó una muestra de 21 fotografías en gran formato de los rostros de mujeres y hombres centenarios en el Centro Cultural Olimpo en la Ciudad de Mérida (2010).

LISTA DE OBRA:

Todas las piezas exhibidas están a la venta y existen diferentes opciones de impresión.

Mónica González y Annica Durocher estamos para asistirte en tu compra.

¡Contacto!

Elena Martínez Bolio

No eres tú, soy yo

Una retrospectiva del amor y la diversidad femenina de Elena Martínez Bolio

"No eres tú, soy yo" es una invitación íntima a recorrer un mosaico de cuerpos, edades y experiencias femeninas ligadas al amor y, por lo tanto, al desamor. A través de su obra, Elena Martínez Bolio nos sumerge en la compleja y multifacética realidad del amor desde una perspectiva profundamente femenina.

La artista presenta 38 retratos y relatos que capturan, como instantáneas, el complicado y profundo sendero de la experiencia amorosa de las mujeres. Cuerpos, miradas, situaciones tras bambalinas en lo más secreto del corazón femenino. El amor, que no conoce democracia, se presenta de manera tan diversa y, a la vez, idéntica en cada vida.

¿Cómo te ha dejado el desamor? ¿Existen en tu alma, en tu cuerpo, cicatrices por culpa del amor? Los cuerpos de estos retratos tienen nombre y claras cicatrices; son espejos que Elena presenta, rescata y resignifica. La imagen de sus modelos y el paso del sueño del amor se transforman en testimonios que, desde nuestra propia visión, no dejan de ser un sentimiento universal.

"Desde Sophie Calle hasta Shakira, la expresión del amor y el desamor ha evolucionado: ya no se calla, se reivindica", señala la artista. Con esta exposición, Martínez Bolio no solo rescata historias y cuerpos en su autenticidad, sino que también nos invita a sumarnos a una conversación abierta sobre el amor en su particular diversidad.

Mónica González Dillon

Elena Martínez Bolio

Nace en la ciudad de Mérida, Yucatán, un 30 de agosto de 1956, siendo la única hija mujer entre seis hermanos.

Crece influenciada por un entorno familiar sensible a la estética y belleza de los objetos, nutriendo su inquietud creativa desde la infancia con los primeros bordados, tejidos y dibujos. Apenas con 12 años y gracias a su naturaleza artística, se convierte en la primera mujer en ser aceptada en Talla de Madera del Centro Estatal de Bellas Artes de Mérida, recibiendo enseñanzas de maestros de reconocida trayectoria.

Estudia teología en Guanajuato y posteriormente la Academia de San Carlos y la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda", serían sus siguientes casas de formación en artes clásicas.

Su obra ha sido exhibida en galerías, recintos e importantes museos a nivel nacional e internacional, incluyendo Europa, Estados Unidos, Centro y Sudamérica, a través de más de 100 exposiciones entre individuales y colectivas.

Siendo una prolífica artista que abraza múltiples disciplinas, permanece abierta a distintas técnicas y vertientes visuales, escritas y escénicas; más los hilos y textiles la demandan continuamente para ser el medio para materializar su creatividad y anidar en ellos gran parte de su obra. Con atrevimiento y constancia, se ha bordado, puntada a puntada, una posición como referente en la escena del arte textil.

Resultado de su diversificación y vínculo con sus raíces, en 2018 inaugura su casa-taller-showroom "Desbordada" con huipiles, indumentaria y textiles para el hogar, intervenidos con bordados, tejidos de crochet y tintes naturales, bajo la propuesta de la ropa como una segunda piel, una habitación, arte para ser disfrutado desde el sí mismo.

Elena es una artista que aprendió a ir más allá de las convenciones, esgrimiendo su aguja para denunciar y el hilo para suturar emociones alrededor de tres temas principales, que soportan la esencia de su obra: 1) la muerte y la pérdida vs la aceptación; 2) la desigualdad, el abuso y la violencia vs la desvictimización; 3) la enfermedad de mente y cuerpo vs la sanación.

Con estas premisas nace una de sus exposiciones más significativas y profundas por su contenido social y reflexivo sobre las realidades sociales: "Las mujeres decentes de la calle 58", que aborda las condiciones físicas y emocionales de mujeres dedicadas al sexoservicio en Yucatán. El impacto de esta exposición, la llevan a un recorrido por el tiempo, siendo exhibida por cuatro años, en México y llegando hasta Copenhague, Dinamarca.

En un ejercicio lleno de emociones, de introspección personal y social, Elena decide extender "Una Larga Hebra", dando vida a la instalación narrativa audiovisual que, como su nombre lo sugiere, pone de manifiesto la trayectoria y alcance de su labor artística y filosofía dentro de ella. Edificada con la obra de seis años de estancias y convivencias, del bordado propio y del de mujeres de la comunidad de Xocén, Yucatán, esta exposición representa la vida cotidiana, la cosmovisión ancestral en las comunidades de su estado natal y las ampollas sociales como la violencia de género.

Exhibida de forma continua, por tres años, en distintos museos nacionales e internacionales, enmarca talleres, conferencias y actividades tanto presenciales como virtuales, invitando a experimentar la creatividad como medio expresivo y reflexivo sobre el sí mismo y la otredad. Una exposición que es de facto, emblemática por su representatividad simbólica y la madurez alcanzada como artista.

La suma de registros escritos, visuales y de producción artística, derivaron casi por necesidad, en la concepción, gestación y nacimiento de su primer libro, presentado en 2021: "Elena Martínez Bolio: Retrospectiva de una aguja", donde hilvana su propia historia desde los inicios, sus influencias, experiencias y propuestas, hasta su consolidación en el arte textil, acompañando el relato visual con la palabra escrita tan importante y presente en su vida creativa, incluyendo textos propios y de escritores invitados.

Elena Martínez Bolio exalta la fortaleza de su feminidad creativa, hilando y deshilándose a sí misma en cada obra, transformándose en huipiles, lienzos y esculturas, dejando calado el paso de su aguja reflexiva y uniendo sensaciones con la narrativa de sus hilos.

Texto por Gloria Hidalgo

(a) Museo Regional de Antropología "Palacio Cantón", en Mérida; el Museo de El Carmen, San Ángel, CDMX y el Museo Regional de Sonora